Le style rustique

franz fenris g.
par Franz FENRIS G.
Poterie du Miroir aux Prêles
 

Considérations à la suite de la lecture, entre autres, du texte éponyme d’Ernst Kris (1900-1957), publié à Vienne en 1926 et 27, et paru aux éditions Macula dans sa version française en 2005, avec une introduction d’Ernst Gombrich et une postface de Patricia Falguières.

1) Terrain et manifestations

Le style rustique, manifestation naturaliste du maniérisme à la Renaissance, prend son origine à trois sources : la création des chambres d’art et de merveilles (Kunst und Wunderkammern) lui donne un cadre ; ses manifestations, selon Kris, sont conditionnées par les avancées techniques du moulage d’après nature ; et l’on peut parfois voir la rivalité relative dans laquelle l’artiste se place avec Dieu comme l’énergie de départ.

Invention de la Wunderkammer

La Wunderkammer est le prolongement d’une superstition médiévale que l’on nomme les épreuves. Les princes de la Renaissance continuent de chercher à acquérir, en croyant souvent encore à leurs vertus magiques, ces matières naturelles étranges auxquelles on attribuait le pouvoir de détecter la présence d’un poison dans les mets, voire de le neutraliser. Ainsi pour le corail, les langues de vipères, les dents de requin, la corne de licorne (dent de narval) ou de rhinocéros, la crapaudine (peau de crapaud), les bézoards (concrétions dans l’estomac de certains ruminants), etc. Ces objets curieux furent souvent montés en or par d’habiles orfèvres et ainsi magnifiés en œuvres d’art.

collection du château d'ambras

portrait de l'archiduc fernidand II d'autriche

Objets de collection en corne de rhinocéros montée en or, ivoire tourné, collection du château d’Ambras, près d’Innsbruck

Portrait d’un des plus grands collectionneurs de l’époque, l’archiduc d’Autriche Ferdinand II, Régent du Tyrol, Château d’Ambras

 Aux épreuves médiévales virent s’ajouter les choses rares, insolites ou monstrueuses de la nature : œufs d’autruches, coquillages, nautiles, os de géants (restes d’animaux préhistoriques), bois de cerf fichés dans un tronc (Ambras), pierres précieuses ; mais aussi des objets raffinés issus de la main de l’homme : reliques en tout genre, noix de coco gravées, un noyau de cerise sculpté, des ivoires tournés, gravés, et ciselés, des médailles, et des pièces d’orfèvrerie généralement allemande dont les fameux « pokals »… C’est la formation des premiers cabinets de curiosités, qui, pour les plus beaux ensembles, ont pour écrin une pièce du palais (le studiolo italien), voire, chez les princes allemands, carrément une aile du château. Dès le XVIe siècle en effet, naquit une mode de collectionner, au sens moderne du terme, lequel implique que ces objets puissent être contemporains et qu’en plus de l’accumulation, il y ait classification : on classe peu à peu les choses en naturaliae, artificialiae et mirabiliae. Cette taxinomie distingue la Wunderkammer des trésors ecclésiastiques et privés du Moyen Age. Le cabinet de curiosité se nomme en français souvent « musée » et son étude est à l’origine de nos sciences naturelles.

ancolie, albrecht durer

le printemps, guiseppe arcimboldo

Ancolie, vers 1502-05, Albrecht Dürer, couleurs à l’eau,
Graphische Sammlung Albertina, Vienne

Le Printemps, 1573, Giuseppe Arcimboldo,
huile sur toile, le Louvre, Paris

Ces assemblages hétéroclites de curiosités et merveilles participent d’un mouvement naturaliste important qui d’abord rassemble, classifie, puis décrit, dessine ou peint pour donner naissance, dès le XVIe siècle à la nature morte (Giuseppe Arcimboldo 1527-1593). A la suite des efforts de Leonardo da Vinci (1452-1519) et d’Albrecht Dürer (1471-1528) - dont l’observation rigoureuse de la nature n’implique pas qu’ils soient « rustiques » par l’usage d’animaux grouillants ou rampants -, un naturalisme scientifique voit le jour, précis, délicat, dans la seconde partie du siècle (Joris Hoefnagel 1542-1600).

folio 123, mira calligraphiae monumenta, Joris Hoefnagel

folio 118, mira calligraphiae monumenta, Joris Hoefnagel

Folio 123 recto, in Mira Calligraphiae Monumenta, manuscrit de Georg Bocksay, (1561-62), enluminée par Joris Hoefnagel en 1590-96
Malibu, J. Paul Getty Museum

Folio 118 verso in Mira Calligraphiae Monumenta, manuscrit de Georg Bocksay, (1561-62), enluminée par Joris Hoefnagel en 1590-96
Malibu, J. Paul Getty Museum

 Ce nouveau courant d’étude de la nature répond, dans le domaine des arts appliqués, à un engouement pour la nature, vivante, vibrante. 

 L’aspect d’accumulation des objets naturels, notamment les coquillages, s’illustre par ailleurs aussi dans le décor des grottes de jardin (Grotte aux Animaux -1538-67- du Castello à la Villa Medicis, ou grotte de la Bastie d’Urfé ).

 salle des rocailles de la bastie d'urfé 
Salle des Rocailles, vers 1550, grotte d’accès à la chapelle de la Bastie d’Urfé, dans le Forez, France

Le moulage d’après nature

La pratique du moulage d’après nature, déjà attestée sous l’Antiquité, a survécu pendant le Moyen Age à travers celle du masque funéraire, et prend un nouvel essor en Italie, essentiellement pour le moulage de petits animaux, pendant tout le Quattrocento. On moule crapauds, écrevisses, serpents, lézards et oiseaux que l’on coule en petits bronzes réalistes (Andrea Briosco dit le Riccio 1470-1532, puis Giambologna 1529-1608, lequel a aussi participé au moulage de sculptures de la grotte aux Animaux). Cette pratique soulève la polémique de savoir si l’objet moulé est une œuvre d’art ou le produit de la nature. Ernst Kris précise que, comme toute technique au service de la création artistique, le moulage est assujetti à une intention artistique.

 serpent en bronze, musée du bargello, florence
Anonyme, Serpent enroulé autour de deux lézards, vers 1550, bronze, Florence, Musée du Bargello

Au Nord, l’usage du moulage d’après nature est repris pour des coquillages, des escargots, lézards et tortues pendant tout le XVIe siècle, notamment à Nuremberg (Hans Vischer 1488-1550, et Wenzel Jamnitzer 1508-1585, avec le concours de Hans Lobsinger).

 wenzel jamnitzer
Wenzel Jamnitzer, Bassin d’aiguière, fonte d’argent repoussé et doré, 1550-60, le Louvre, Paris

En France, la technique est principalement reprise par les céramistes (Girolamo Della Robbia 1488-1556, au château de Madrid, détruit, ou les « rustiques » figulines de Bernard Palissy 1510-1590).

L’artiste en rival de Dieu.

La Renaissance est celle de la vision classique des arts libéraux dans lesquels prédominent conception intellectuelle et inspiration personnelle. C’est l’affirmation de l’individu. Pour les questions de salut, la place de l’intermédiaire clérical se trouve amoindrie, on adopte une conception plus personnelle et individualiste de sa relation à Dieu. Les artisans signent leurs œuvres, les écrivains revendiquent la paternité de leurs écrits, les peintres multiplient les autoportraits. L’art médiéval avait quasiment banni la nudité en l’associant au péché et à la honte. Contre l’idée de l’homme déchu, l’art de la Renaissance a dépouillé de leurs vêtements les corps rendus superbes, gracieux ou puissants, mais dignes. Et placer l’homme au centre de l’intérêt qu’on porte au monde supplante peut-être un peu le Dieu omnipuissant du Moyen Age. Plutôt que représenter les symboles de la foi, l’art a commencé à s’intéresser à la nature (naissance des premiers paysages peints), en tentant de reproduire plantes et animaux plus vrais que la réalité. Imiter la nature, et même la surpasser en créant des combinaisons fantastiques. Ces inventions placent l’artiste en rivalité directe avec le Créateur. Et les cabinets de curiosités sont remplis de monstres improbables.

Le maniérisme a aussi produit de nombreux automates, pièces d’orfèvrerie auxquelles l’artiste a cherché à donner vie par des moyens techniques. Rares sont ceux relevant directement du propos de Kris, si ce n’est par le fait de suggérer le vivant.

Plus que la simple évocation ou copie du vivant dans les œuvres « rustiques », l’usage des petits animaux (souvent moulés donc) est une façon pour l’artiste d’instiller la vie même dans son œuvre, et lui aussi, par conséquent, semble se mesurer au Créateur. Cette louange du foisonnement organique est le témoignage d’une jubilation de l’artiste devant le vivant. La plupart des artistes étaient très chrétiens, Jamnitzer et Palissy en tête : leur représentation naturaliste du vivant étaient certainement animée d’une réelle admiration pour la nature plus que par un orgueilleux défi au divin… ce qui n’est pas certain de tous leurs commanditaires.

2) Rustique

 
Fragment de plat, céramique dite de Saint Porchaire, époque Henri II, musée du Louvre, Paris.
Le fond du plat est orné de carrés roux et jaunes présentant, dans un soleil, le monogramme du Christ : I H S.

Dans ce XVIe siècle qui réinjecte dans l’art toute la mythologie gréco-romaine (Renaissance des valeurs antiques), avec ses cortèges de bacchanales, de satyres paniques, où le merveilleux confine toujours à l’effrayant, le naturalisme Renaissant loue aussi la vie (biologique) au point d’en aimer les monstruosités. Dans ce XVIe siècle, le plus païen de notre histoire, qui ne cesse de jouer sur les oppositions formelles, ne craint pas de juxtaposer l’orgie Antique et les valeurs chrétiennes, fait pisser des satyres de coquillages sur les fidèles se rendant à la chapelle de la Bastie d’Urfé, ou encore palpiter grenouilles et lézards dans un plat en céramique dite de Saint Porchaire constellé de monogrammes du Christ… dans ce siècle où un visage cornu sur un pied de crucifix ne s’appelle plus Satan mais simplement « faune », anodin, malicieux peut-être, mais drôle surtout, ce siècle où l’Archiduc d’Autriche Ferdinand II de Habsbourg (1529-1595), quoique fervent catholique, cultivé, raffiné, organise des cérémonies sadico-païennes, des beuveries, et affectionne des machines de torture et les représentations de monstres humains dans son château d’Ambras… dans ce siècle qui affiche la truculence des grimaces des mascarons qu’il appose partout comme éléments de décoration, dont l’art peuple avec tant de facilité les décors de grotesques les plus aboutis, les plus raffinés, des créatures les plus extraordinaires, issues du rêve ou du cauchemar (à la suite de Jérôme Bosch 1450-1516)… est-il étonnant qu’un courant artistique n’ait pas trouvé répugnant de s’intéresser à la part sombre de la vie ? à l’exubérance de ce qui se tortille, de ce qui grouille, rampe ? Car c’est bien une autre caractéristique du style rustique, c’est de faire usage des lézards, grenouilles, écrevisses, « animaux, vermines, herbes et escargots (1) » et de tout le « menu fretin des marais et des rivières (2) ».

4) Trois personnages importants

 joris hoefnagel
Joris Hoefnagel, enluminure sur parchemin, Metropolitan Museum of Art, New York

Comme les productions de Jamnitzer ou de Palissy, les enluminures naturalistes de Joris Hoefnagel ne s’intéressent majoritairement qu’au petit, à l’anodin, à l’insignifiant : végétaux isolés, fleur coupée, fruit, toujours frais, réalistes, un insecte, comme échappé de la nature et venu se poser à l’instant sur la page, parfois un papillon, une grenouille ou une souris, jamais un cheval. Comme pour Jamnitzer et Palissy, l’art de Hoefnagel réside dans le choix de la chose reproduite et dans le libre arbitre de la composition.

L’orfèvre de Nuremberg Wenzel Jamnitzer, comme le céramiste français Bernard Palissy, pratique l’accumulation d’une manière qui n’est pas sans rappeler celle de Giuseppe Arcimboldo : la composition est toujours savante, équilibrée, mais dense, et c’est cette profusion même qui suggère la vie. Ceci est amplifié par le fait que la surcharge est une exigence de sa clientèle : on mesure la puissance d’un prince à la richesse du décor des objets qu’il possède. Ce qui nous semble lourd aujourd’hui était dicté par les rapports de pouvoir.

Comme Palissy, Jamnitzer a cherché à inclure la nature à ses œuvres sous la forme minérale aussi. Son désir « naturalistique (3) » a même dépassé la satisfaction tirée du résultat des moulages puisqu’il est allé jusqu’à inclure des morceaux de roche en nature pour imiter la surface d’un sol plus efficacement encore.

 
Bassin rustique, Bernard Palissy et son atelier, entre 1556 et 1590, terre cuite émaillée, le Louvre, Paris

Chez Bernard Palissy, le règne minéral n’est figuré que par l’imitation en terre cuite émaillée. Sa recherche se porte sur la couleur, la transparence, la matité des mélanges d’émaux plombifères transparents et stannifères opaques, laiteux, pour imiter la roche, ses aspects jaspés ou marbrés. En revanche, ce qui change, c’est l’échelle : non plus satisfait de représenter la roche ou l’eau dans ses plats extraordinaires, il a accepté la réalisation de deux grottes de jardin pour Catherine de Médicis aux Tuileries et pour Anne de Montmorency à Ecouen. Il ne nous en reste que des fragments et de nombreux essais… furent-elles seulement montées un jour ? Mais il est clair qu’il y imitait la pierre, et que, par ses écrits et par les moules conservés, tout l’arsenal moulé de bestioles, « vermines » et coquillages en tous genres y figurait, allant jusqu’à la figure humaine, moulée elle aussi, par morceaux, pour l’édification de termes. Le moulage de la figure humaine relève-t-il encore du style rustique ? A moins que ce ne soit, au sens propre cette fois, d’un style de grottesques ? Palissy, kitch ?

 

rappels des notes
(1) Johann Neudörfer, p 41 et 45, in Ernst Kris, Le Style Rustique, éditions Macula, Paris, 2005)
(2) Patricia Falguières, in op. cit. p 195
(3) Néologisme de l’auteur, par lequel « naturaliste » décrit ce qui a été fait pour avoir l’air de la chose représentée, par copie à distance, et « naturalistique » s’approche du réel par contact (moulage ou  même inclusion), par imprégnation physique du réel (note infrapaginale p 56).  in Ernst Kris, Le Style Rustique, éditions Macula, Paris, 2005)

 

Un livre à lire

Le style rustique : Le moulage d'après nature chez Wenzel Jamnitzer et Bernard Palissy suivi de Georg Hoefnagel et le naturalisme scientifique
Ernst Kris, Editions Macula, Paris, 2005
de Patricia Falguières (Postface) et Ernst Gombrich (Préface)
Ernst Kris (1900-1957), élève de Julius von Schlosser à Vienne, a publié en particulier deux études sur le sculpteur Franz Xaver Messerschmidt (1932), ainsi que deux ouvrages L'image de l'artiste (avec Otto Kurz), traduction française 1988 ; et Psychanalyse de l'art, traduction française 1978.

 

 

 

   






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